Sintonía de amor (1993)

Sleepless in Seattle (Dir. Nora Ephron) Haciendo zapping después de tiempo en el televisor de la terraza me encontré con esta comedia romántica, en Vh1. Jonah (Ross Malinger) un niño de 8 años pierde a su madre y su antiguo barrio en Chicago, ya que al no querer vivir en el eterno recuerdo de ella huyen, junto con su padre, Sam (Tom Hanks) a Seattle en busca de nuevos y mejores aires. Con ello Jonah percibe que la alegría en Sam ha disminuido por lo que se propone buscarle una nueva esposa así como también, buscarse una nueva mamá. Jonah llama a un programa radial buscando a la chica ideal donde recibe miles de cartas y conoce a Annie (Meg Ryan) Hay una película mencionada en el guión llamada An Affair to Remember, Yo y tú de Cary Grant, motor y eje fundamental de Sintonía de amor. El Empire State iluminado de celeste y rojo, un corazón en las ventanas, señales en el pecho de las mujeres cuyo romanticismo idílico las hace capaces de tomar aviones, trenes, barcos con tal de llegar a tiempo a ese lugar en donde el instinto les dice que su destino podría estar marcado. Nueva York vuelve a ser un lugar de encuentros amorosos y de finales felices. Creo que terminé de ver esta película no por los actores en general sino por Meg Ryan y mi terrible estado de ánimo melancólico de estos días. Depende de cada una(o) conseguirla o buscarla en la web.

Cleptomanía (2003)

Klepto (Dir. Thomas Trail) Emily Brown (Meredith Bishop) es una chica inquieta, adicta a las manías que sirven de placebo, a la automedicación, al orden exagerado y a recorrer la ciudad en auto o a pie. Ella también es de aquellas personas que suelen pensar demasiado en una sola cosa, en el misterioso pasado y paradero de su padre, en la poca voluntad que su madre tiene, por el bien de su hija, de querer aclararle sus dudas. Emily tiene todas las comodidades que una chica joven puede pedir y sin embargo no es feliz ni sacia su desmesurado afán por sentir en el cuerpo la adrenalina al máximo. Emily además de todo lo anotado sufre de una patología peligrosa, es cleptómana; es decir, cuando entra a una tienda, farmacia o centro comercial no puede contener sus ganas locas por llevarse algo sin pagar, por robar, desde un insignificante cepillo de dientes a un rolex de 5 000 dólares. Es allí cuando nos damos cuenta de que para ella todo es un juego de niños una travesura insignificante que en la vida real no significa nada, ni mucho dinero, ni motivo legal para ir directo a la cárcel. Así es que en un día más de la vida de Emily Brown cuando ésta se presta a robar un reloj de una vitrina giratoria, el jefe de seguridad de la tienda, Nick (Jsu Garcia) un latino spanglish, desde la sala de control y cámaras de seguridad, la descubre y sigue hasta esperar que llegue a la puerta de salida donde luego de detenerla y registrarla, se sorprende de no encontrarle ningún objeto que la delate y culpe. Nick aprende de esa experiencia y analiza el video, lo que le da la pista para creer que el reloj haya sido dejado en un paquete de medias pantis al otro lado del pasillo asumiendo que con preemeditación Emily lo haya puesto allí con la idea de regresar horas más tarde por el, pagando tan solo 5$. En la película se verá cuál es el fruto de obtener dinero rápidamente, mediante el narcotráfico, el dinero fácil como se dice, una realidad americana de chicos de la misma edad que Emily quienes al igual que ella encuentran la paz y el sosiego en pastillas y medicamentos innecesarios para la mente. Klepto me pareció una película interesante y educadora ya que el tema de los cleptómanos casi siempre ha sido en el cine tan solo un recurso literario mas nunca un tema principal.

Los dueños de la noche (2007)

We own the night (Dir. James Gray) Percibí en este film intentos por emular o copiar esencias de obras consagradas del cine tales como lo son El padrino, Taxi driver o Cara cortada. Siendo We own the night una más de las películas de gansgters y mafias de menor rango, culturiza de manera distinta, en el sentido histórico del narcotráfico, al espectador. La idea es interesante, partir la historia con la escena de una fogosa chica latina echada semidesnuda sobre un sofá a manos de un hombre quien la colma de besos y roces vaginales, impacta de sobremanera. Se viven los años finales de la década de los 80, Nueva York está más tugurizada e infectada que nunca, las drogas y la ciudad se colan y desmorona al mismo tiempo. La película está bien dirigida y planteada sin embargo el argumento se desinfla a medida la conjunción de sentimientos encontrados se muestra por sobre el ambiente destructivo y oscuro de la mafia y la ciudad. No digo que sea un error hacer una película híbrida en lo que a sensorialidad y reflexión se refiere lo que digo es que cuando se llega a ese punto a esa pretensión de querer hacer una película humana hay que ser muy meticuloso y cuidar al máximo cada detalle y frase pronunciada por cada uno de los personajes, es allí donde el film, a mí parecer, se apaga. La familia Grusinsky, una familia de policías que se rige y cree en el bien y la justica se enfrenta a las mafias rusas y americanas de venta y comercialización de drogas. En el medio de estos 2 pilares se encuentra Robert Green o Robert Grusinsky, hermano del capitán Joe Grusinsky (Mark Walhberg) e hijo del Jefe de Policía Albert Grusinsky ( Robert Duvall) quien junto a su exquisita novia Amada (Eva Mendes) y su trabajo como administrador de la discoteca "Caribe" local cuya reputación es de ser cuna de los principales consumidores y comercializadores de cocaína, pretenderá hacerse el de la vista gorda ante los graves problemas que pasa su ciudad y su familia quien busca acabar con el caos y el desenfreno que padece Brooklyn. Uno nunca podrá saber de qué manera actuará en defensa de alguien que verdaderamente quiere, esas son cosas que uno no puede imaginarse solo tiene que vivirlas "Olvidar los procedimientos, preocuparse por sí mismo, demostrar que no tienen la misma ingenuidad que la de mickey mouse"

Fados (2007)

Fados (Dir. Carlos Saura) Musical que explora el origen del Fado, género musical proveniente de Portugal, nos muestra la evolución y la continuidad del estilo hasta el correr de nuestros días. Proveídos por una guitarra criolla y una viola o también llamada guitarra portuguesa, músicos (la interpretación puede ser tanto instrumental como cantada o viceversa) acompañados por 1 ó más cantores, sean mujeres u hombres, le dedican su voz y su sonido a la reflexión, a exponer los problemas de la vida, la melancolía, el amor, los celos, los ideales, los sueños truncos, la belleza que se extingue y se escapa. El fado es un estilo de vida, una creencia, un sonido que se puede bailar así como representar con el cuerpo. Carlos Saura plantea un escenario de raíz teatral, espejos, luces y telas de colores para introducirnos de manera comprensible en el tema. Al compás de la distinta gama de fados, las sombras de los personajes que aparecen sin hablar se regocijan sintiendo al máximo cada ritmo y encuadre. Saura logró finalmente resumir su investigación de 2 años en un film de 90 minutos, lo que hace ahora en su haber la suma de 3 documentos musicales filmados en formato cine que hablan sobre la historia de la música; Tango en 1998, Flamenco en 1995. Imágenes en video, cintas en blanco y negro de maestros que sembraron la esencia del fado acortinan la pantalla para verse representados e influyentes en las nuevas generaciones. El fado sigue vivo en las calles y especialmente en la cuna de su ambiente, Portugal. La mayoría de las presentaciones son en directo, salvo las grabaciones antiguas como aseveré y algunos playbacks todas las presentaciones son dadas por músicos espectaculares y de reconocido prestigio mundial.

La Visita de la Banda (2007)

Bikur Ha-Tizmoret (Dir. Eran Kolirin) 8 hombre nacidos en Egipto conforman una banda de música de policías que llega a Israel con motivo de dar un concierto, de inauguración, en una ceremonia organizada por el centro cultural árabe, Petak Tihva. Los 8 músicos vestidos de celeste, zapatos de cuero y sombreros del mismo material que sus ternos, llevarán sus respectivas maletas e instrumentos musicales hacia el paradero del aeropuerto israelí en donde para sorpresa suya y decepción se darán cuenta de que además de pasar inadvertidos, nadie espera ni busca por ellos. Al mando del coronel Tewfig Zacharya (Sasson Gabai) hombre circunspecto y recto, intentarán orientarse con la gente que transita por allí armados de valor y del poco inglés que dominan. Khaled (Saleh Bakri) quizá el más distinto del grupo de pelo ruloso, piel blanca, porte atlético, con un carisma insuperable, es el más indicado en cumplir aquella misión ya que gracias a su personalidad y físico es el que más llama la atención de las chicas; entonces Khaled se acerca al micro del vidrio de seguridad habla con la recepcionista y le pregunta: ¿Te gusta Chet Baker? Esa frase casi al inicio del film después de pensar que estaría viendo algo parecido a lo que hizo Jim Jarmusch en Stranger than Paradise o Rebella y Stoll en el film argentino, Whisky me removió la mente y me hizo enderezarme del asiento y cruzarme de brazos. Presumí que estaba ante una gran película, y presumí bien, no me equivoqué. Khaled logra recibir información exacta y la banda termina yendo a un pueblo lejano y desértico en donde los únicos seres vivos que encuentran a manera de paraguas son los que se hayan dentro y fuera de un pequeño restaurant. La dirección a la que llegaron era incorrecta pero al final nos damos cuenta de que todo fue mejor así, que a veces los errores hacen crecer la realidad de los seres humanos: La hermosa y blanca mujer, de pelo azabache, Dina (Ronit Elkabetz) quien al escuchar la historia ceremoniosa y formal del coronel accede a darles lecho y alimentación por una noche. Papi (Shlomi Avraham) el más tímido de los habitantes de ese pueblo lleno de soledad, nunca sale con chicas y aprenderá mucho en compañía de Khaled. Entonces vuelve ese guiño a Chet Baker y le prestamos atención al Coronel, a Dina y al fraseo sublime que Khaled interpreta en su bien pulida y flamante trompeta. Umm Kulthoum en vinilo, Backgammon al mediodía, Chet Baker por siempre.

Todavía Orangutanes (2007)

Ainda Orangotangos (Dir. Gustavo Spolidoro) Basado en el libro de Paulo Scott del mismo nombre, Ainda Orangotangos, es una película que le hace a uno pensar en que dirigir un film es lo más natural y acorde del mundo. Esta película influye e inspira, te llena de euforia e ideas tentativas así como de música en la cabeza, el fondo musical está a cargo de todos aquellos músicos y canciones que andan por allí cuando la cámara encuadra ciertas zonas para determinadas escenas, qué sé yo, el vagón del tren, el departamento de una chica, la radio a pilas en una tienda, etc. Un japonés que se queda solo, un niño que limpia carros y compra un reloj, unas chicas que se besan en un bus y hablan sobre el inter, una mujer desnuda que sufre terribles pesadillas, un hombre maduro jugando con una chica joven y tatuada, no hay alcohol empiezan a tomar perfume y a lamer desodorantes, un hombre canoso con lentes y bastón se encuentra con un desquiciado gordo que quiere editar sus manuscritos con él, un afamado literato, el niño del reloj de nuevo, una tienda en donde venden aspirinas y frutas, la manguera del agua, una quinceañera desvirgada, un hombre de terno negro que va a 200 km/h por las pistas de la ciudad de Porto Alegre, donde nace y muere el film. La cámara empieza y termina de un solo tirón al menos en las posibilidades que las cámaras digitales lo permiten, 40 minutos. Con una especie de elipsis temporal Spolidoro hace sentir en el espectador ingenuo que no hay ediciones visibles ni cortes aparentes. El director se convierte en un espía e invasor de la privacidad en lo que la cinta y su pulso ese día soportan. En Ainda Orangutanes se respira vanguardia y astucia así como el fanatismo del equipo de trabajo por directores de la talla de Hitchcock o Sokurov. Recomendable.

Cómo casarse y mantenerse soltero (2006)

Prête-moi ta main (Dir. Eric Lartigau) Esta comedia romántica francesa posee un esteticismo y lenguaje bastante particulares. Luis Costa (Alain Chabat) es el único hombre que queda de una familia gobernada por mujeres, su padre Hércules falleció cuando él apenas era un adolescente quedando al cuidado y tutela de todas sus hermanas y engreidora madre, Geneviève (Bernadette Lafont) Si bien es cierto que tiene 42 años a Luis aún le siguen diciendo como cuando era niño "Pipou" Él aún no piensa en casarse ni en tener hijos vive feliz en su apartamento de soltero trabajando en lo que ama, que es la creación de perfumes, la elaboración de aromas de ensueño y disfrutando de todo lo que hasta el momento la vida le ha dado. Entonces será a raíz de que una a una sus hermanas empiecen a echarle en cara todas aquellas desconsideraciones en el paso de estos años para que él se comprometa junto con sus queridas vigilantas a conseguir por fin a la mujer y esposa ideal con quien casarse. Una mesera morena que fue dejada a 3 días de su matrimonio le servirá de inspiración para pensar en la solución perfecta a este tremendo lío, contrataría a alguien con el perfil que su familia espera y luego fingiría ser rechazado un día antes de su boda; sin embargo, él sin darse cuenta encontrará entre los familiares de uno de sus mejores amigos a la mejor opción para ese trabajo tan inusual. La espectacular y deslumbrante Charlotte Gainsbourg actúa como Emmanuelle, Emma. Las flores violetas bloquean su olor ante las narices del mundo.

Efectos personales (2006)

Personal Belongings (Dir. Alejandro Brugués) Escrita y dirigida por el cineasta Alejandro Brugués un argentino cubano que dice sentirse 100% de Cuba, Personal Belongings fue una de las películas más interesantes de lo que para mí fue hasta ahora el festival de cine de Lima. Escrita de manera excepcional y con personajes muy complejos este film independiente rodado de manera intuitiva, inspirada, y propia del más fino ingenio muestra a una Cuba de verdad, a la Cuba veldaela con que tantas miles de personas conviven a diario y otras visitan. Caleb Casas interpreta a Ernesto un médico sin ejercer que visita junto a otros 3 amigos las embajadas de todos los países que se encuentran en toda la isla con la intención de dejar el país que los vio nacer como Dios y las leyes mandan. Nada de balsitas dicen ellos, nada de exponer el físico a ese nivel. Por otro lado está Ana (Heidi García) esbelta y preciosa mujer de la talla y estilo de nuestra nacional Melania Urbina, quien es la única persona de una familia numerosa, que se fue a Miami tirándose al mar como tantos otros compatriotas suyos, que prefirió quedarse en su puesto de enfermera y en su casa con el corazón roto, ya que su novio partió de la misma forma y sin muchas ganas de hacerse ilusiones por nada ni nadie, nuevamente. Ambos se encontrarán y unirán sus mundos desgarrados con la idea de formar uno solo, uno sostenible y mejor, con reglas y anotaciones, bastante particulares. Ernesto ya que siente que en cualquier momento va a dejar Cuba no vive bajo un techo ni cama duerme y se moviliza en un lada celeste en cuya maletera guarda su único equipaje, sus personal belongings. Caleb Casas nos contó que filmaron las escenas de noche sin permisos municipales lo que explica el vaivén y el carácter de la cámara en esos momentos del film. Amantes o novios, Ana y Ernesto aprenderán a vivir como cubanos, como gente que bien o mal pueden estar dentro o fuera de la isla pero que no dejarán de ser parte de ese país en el que nunca pasan malas noticias en la televisión, tan fácilmente. Me sentí muy reflejado en la manera con que ellos abordan su relación, ese ir y venir, hacer el amor cuidando no enamorarse el uno del otro, cuidando de no volverse a ilusionar, disfrutando mucho, creciendo al mismo tiempo. La música estuvo fenómena, fue interpretada, compuesta y dirigida por X Alfonso.

Ghettokids (2002)

Ghettokids (Dir. Christian Wagner) Ghettokids es un drama social que muestra la vida de una familia griega que vive en los suburbios de Münich, Alemania. La familia Chassanoglou está conformada por 3 hermanos hombres y su madre, una trabajadora de una fábrica de cervezas. El menor de ellos y más inocente se llama Christo (Ioannis Tsialas) tiene 13 años, va a la escuela y al mismo salón que su hermano Maikis (Toni Osmani) de 17 años. Christo siempre se anda metiendo en líos de los cuales Maikis busca librarlo a como de lugar. Podríamos decir que viven la mayor parte del tiempo en el subway "trabajando" cada uno, en lo que se les presente. Christo suele ser más extremo ya que teniendo la piel aún suave y dócil, por dinero, es capaz de complacer a tíos depravados que aparecen y buscan pasar un momento de placer sexual en los baños públicos. Los robos de pandillas son cosas que ellos también comprenden, el robar carteras, drogas, maletas, a pesar de ello se nota el afán protector que tiene Maikis para con su hermano menor, de no permitir que se siga envolviendo más en ese camino equivocado que para él a esas alturas se ha convertido ya en una costumbre imposible de controlar. El rap es un desfogue y una vía para poder decir lo que casi siempre no se atreven a pronunciar, la música les da paz y calma. Hay 2 personajes importantes en Ghettokids, pilares imprescindibles para estos chicos que no tienen de donde agarrarse, Xaver Friedmann (Günther Maria Halmer) un hombre exitoso, culto, sin descendencia que tiene a su mando un club de breakdance y percusión en el cual recluta y ayuda, a darles una vida con proyección, a todos estos chicos violentos y renegados que vagan por el vecindario. Él como tutor al presenciar la llegada de una mujer de 42 años, Hanna Solinger (Barbara Rudnik) una maestra que empezaría a trabajar en el colegio público donde estudian estos adolescentes, y reina el caos y la desobediencia, verá una cómplice y compañera en esa empresa tan difícil de asumir. Hanna se decepcionará de los chicos al ver su alto grado de salvajismo pero luego les dará una segunda oportunidad entrando todos en un camino en el que parece andar todo mejor, salvo algunas excepciones. Algunos chicos dejan de estudiar para volverse camioneros otros simplemente terminan en tribunales o dentro de cárceles del estado.

La desaparación del imperio (2007)

The Vanished empire (Dir. Karen Shajnazarov) Serguei Molodsov (Alexander Lyapin) es nieto de un antropólogo mundialmente conocido, ellos viven en una Rusia afectada por el progreso que desaparece poco a poco convirtiéndose en algo distinto a lo planteado por Lenin. Mientras el amor, la adolescencia laten efervescentes ,Stepan, Serguei, junto con otros chicos de su misma generación tienen en el sexo, el alcohol, las drogas, la música, Los Rolling Stones, Los Beatles, Pink Floyd tentaciones exquisitas y dado las prohibiciones mercantiles, exportaciones de la época, piezas y gustos difíciles de conseguir (contrabandear) La vida le da vueltas al instinto imprudente de algunos jóvenes mientras otros menos resueltos pasan la tempestad sin apuros. Moscú y las universidades, los colegios, las calles de 1973. Liuda (Lidia Milyuzina) la mujer más hermosa y sensible de toda Rusia, tiene cierto parecido a la congresista Luciana León. Los libros raros se venden a buen precio en las librerías clásicas, los autos de los padres a alta velocidad pueden generar atropellos en las calles ¿La familia que es el sostén más importante de todos los que existen le es indispensable a un chico para su formación? La desaparición del imperio nos enseña que en realidad uno nunca debe de dar por sentando ningún tema, que siempre en la vida las cosas, el destino pueden darle la vuelta por completo, a uno. Chicos y chicas de 18 años viven y sienten tantos y difíciles sentimientos encontrados. Horzem, la ciudad del viento, las ruinas de la verdad, del encuentro con uno mismo, Serguei.

Matar a todos (2007)

Matar a todos (Dir. Esteban Schroeder) Matar a todos se estrenó en Uruguay con mucho éxito, siendo el director Esteban Schroeder uruguayo el tema del film es un hecho que le tocó tanto a él como a otros compatriotas suyos y hermanos sudamericanos, chilenos, paraguayos, brasileros, vivirlo en carne propia. El caso Berríos aquel químico chileno que buscaba envenenar a todos los hombres que estuvieran en contra del régimen de Pinochet con el intoxicante gas sarin allá por los años 70 en que las torturas y la muerte estaban a la orden del día, es el eje principal de la película. El ejército uruguayo presumiblemente protege a Eugenio Berríos en el interior del país, al igual que en la caída del nazismo en que muchos otros asesinos y sobrevivientes del tercer reich se refugiaron en países de sudamérica allá por los años 40. La familia Gudari proviene de un porte militar, el padre ha sido un héroe de guerra y valiente soldado fervoroso defensor de su patria sin embargo no todo en su trayectoria fue tan pulcro ciertas concesiones políticas, sin ética, ciertas afrentas contra los derechos humanos saldrán a la luz desde la oficina de uno de los miembros de su familia, Julia Gudari (Roxana Blanco) su hija quien se interesa por el caso y hará lo imposible por cerrarlo incluso poniendo en riesgo la vida de su hijo y esposo. Matar a todos es un thriller político, una película basada en una problemática real que sucedió hace poco, hace tan solo algunos años. Es allí el alto revuelo e importancia que pueda generar en ciertos países de sudamérica, en especial Chile, donde aún no se estrena el film. Nos comentaba Esteban, el director, al termino de su esforzado film, parte de su obsesión atormentada y personal, que el personaje autista cuyo nombre en el reparto es el de María Morris (María Izquierdo) en verdad está influenciado por el de la escritora chilena Mariana Callejas.

Desierto adentro (2008)

Desierto Adentro (Dir. Rodrigo Plá) En la presentación de la película no pudo estar presente el director Rodrigo Plá pero sí la guionista y una de las escritoras del film, ya que Plá también tuvo que ver con ello, Laura Santullo. Con una luz amarilla amplia alrededor de su pelo y una voz muy precisa, Laura dijo no querer caer en la tentación de contarnos ni un pedacito de la historia ya que sino habría sido en vano escribir guión alguno. Nos dio a entender que lo único que podía esperar de nosotros era que nos conmueva o nos afecte para bien o para mal de alguna forma "Lo peor que puede existir es una película a la que se le trate con indiferencia" Desierto adentro es una película religiosa planteada en un pueblo mexicano llamado San Martín allá por comienzos del siglo XX. La guerra estalla y con ella ciertas prohibiciones y cambios de reglas. La película se centra en la negación que da el estado de permitir rotundamente el catolicismo, la adoración y la fe se sigan propagando en ese pueblito cuya gente para lo único que vive es para su trabajo su familia y visitar la iglesia todos los días con sus respectivos salmos, rezos y adoraciones a Dios padre y Jesús. La gente llora y teme, la historia de una señora embarazada que pierde el equilibrio mientras acomoda la paja del techo sobre una escalera, marca el camino hacia el destino de ese pueblo. Al querer que se le bendiga, se le den los santos óleos tanto a la madre como al niño, quien ya no late dentro de su panza, Elías (Mario Zaragoza) su esposo, desesperado corre en busca del cura, quien teme por su vida, para que ayude de manera sigilosa a sus seres queridos a obtener el descanso eterno. Tal es su fe que llega al punto de buscar un religioso en lugar de un médico. Finalmente la coincidencia, la mente y la vida harán cambiar el destino de toda esa familia numerosa por la de la esclavitud mental y física, "castigada" por el pecado, la lujuria, la poca fe y el egoísmo. La iglesia tomada, numerosas muertes ocurren, balas en los cuerpos de los inocentes, Elías siendo valeroso y audaz logra escapar de allí después de sobrevivir a un tiroteo y se lleva la campana, la cruz con Jesús crucificado, la caja del santísimo donde finalmente viene a parar ese pequeño niño a quien daban por muerto para empezar de cero junto con los suyos lejos de allí pero no renovado de espíritu. La historia está muy bien escrita, las escenas se entrecruzan con las acuarelas de ese niño sobreviviente llamado Aureliano (Diego Cataño y Guillermo Dorantes) en honor a su difunto hermano del mismo nombre. Los actores y las escenas son de primerísimo nivel, los terrales, los cactus, las piedras en el camino, las casas de esteras, de adobe crean el ambiente propicio para este film dividido en 4 partes: La culpa, la penitencia, la señal y el pecado que no llega. La iglesia debe ser construida y Elías tiene miedo de perder a todos sus hijos uno a uno, el dolor que siente dentro es profundamente mental y salvaje. Todo a lo que me he referido hasta ahora está contenido en su mayoría en La culpa, el primer capítulo del film es decir, tienen aún mucho por enterarse. Desierto adentro acaba con una frase de Nietzche que para sorpresa y locura mía, dice: El desierto crece: ¡ay de aquel que desiertos en sí cobija!

Sleep Dealer (2008)

Sleep Dealer (Dir. Alex Rivera) Asistí a la presentación de esta película cuyo director en su exposición dijo ser mitad peruano, mitad norteamericano, el día de ayer. El guión le tomó 10 años terminarlo así como también conseguir la financiación requerida para poder emprender el rodaje de su ópera prima Sleep Dealer film rodado en español y en inglés. Sleep dealer es una película de ciencia ficción que guarda el pensamiento futurista y consumido por el mercantilismo humano que Rivera plantea. Tijuana, México, una antena parabólica, una represa amurallada, Estados Unidos por el otro extremo apuntando con diferentes calibres de armas de fuego. El mundo parece acercarse a un abismo tecnológico donde el hecho de sacar agua de un río es ya una costumbre de antaño. Sus personajes Luz (Leonor Varela), Rudy (Jacob Vargas) y Memo (Luis Fernando Peña) viven un día a día cibernético, rural que hace sentir la pobreza del hombre en la mente y el cuerpo cuando se pasa más tiempo frente a una pantalla que caminando o mirando el cielo al pasear. Encontré algunos detalles a mí parecer bastante exagerados tales como la máquina de escritura que te hace volver a escribir algo cuando no te expresas con la verdad, sin embargo en muchos otros aspectos me pareció bastante acertada e interesante, en especial ese tema de los conectores intravenarios llamados nodes o nodos una especie de receptores plug que algunos humanos utilizan para poder conectarse al tener sexo o trabajar por horas y marcando tarjeta en empresas extrañas que al parecer recepcionan la energía del cuerpo para luego consumirla de distintas maneras. Alex Rivera me recomendó al terminar el film no tenerle miedo al copyright cuando de experimentar y practicar se trate, cuando llegue el día, me dijo, en que debas rodar tu primera cinta habrá servido de mucho el hecho de haber imaginado lo que quieres decir con recursos de otros.

Pingpong (2006)

Pingpong (Dir. Matthias Luthardt) Gracias a mi amigo el físico matemático asistí gratuitamente a la inauguración de cine alemán, país invitado en el festival de cine de lima, en la sala Alcázar. Al salir del film comimos bandejas y bandejas de bocaditos, salame, enrollados verdes, de pollo, verduras, bebimos copas de vino, champaña, no habían muchos chicos de nuestra edad ni chiquitas alemanas que no estuvieran con sus respectivos novios de la mano lo que para mí fue una pena terrible ya que tenía muchas ganas de vocalizar las pocas palabras que me sé en el idioma de Günter Grass. Lo más bizarro y que realmente me sorprendió fue el hecho de poder platicar con el director de cine, Matthias Luthardt, al cabo terminara yo de ver su ópera prima, Pingpong, film cuyo nombre se basa en el dar y recibir, en el recibir y dar que los seres humanos damos sobre la tierra, sobre las mesas verdes y patas de metal de un tablero chico o sobre el campo grande de un country club o mansión. Hablamos sobre el tono ambiguo de su obra y el hecho de poder ser libre aún siendo alguien que no puede tomar decisiones. Matthias, siempre antes de responder a lo que le preguntaba, me decía ¿Dime lo que piensas tú? Y es así como veo el film, como una conversación entre dos personas que en este caso son el director y el espectador. Seré explícito contando la cinta a razón de que me interesa mucho hacerle entender a la gente el ambiente que esta tuvo. Pingpong es una película de pertenencia, de posesión. Paul (Sebastian Urzendowky) va a casa de sus tíos en el campo como una forma de poder olvidar y despejar su mente tras haber vivido momentos oscuros y tristes entorno a la muerte de su hermano Frank quien hacía algunos días había decidido acabar con su vida. Robert (Cleemens Berg) primo materno y amigo de Paul quiere convertirse en un gran pianista por lo que deberá practicar y audicionar en pocas semanas ante el jurado más importante de Alemania para así poder comenzar sus estudios profesionales en el conservatorio de la ciudad. Las piezas escogidas por él y su madre, Anna (Marion Mitterhammer) también amante y maestra de piano, fueron de la autoría de Alban Berg, músico compositor austriaco a quien recién descubrí viendo la película ¡Su música es asombrosa! Schumann es el nombre del perro negro de Anna a quien quiere y cuida más que a cualquiera. Y bueno la llegada de Paul tomará por sorpresa a la familia de Robert pero también los ayudará a conocerse y reflexionar un poco más de lo que solían hacer. Paul dormirá en un cama sofá y empezará a reconstruir una piscina que la familia tiene el patio y no prestan atención, azulejo por azulejo, imbuido en un de día a día de sudor y empeño, Paul parecerá digno de ser parte de un proyecto fotográfico dirigido por quien observa comodamente desde su butaca el film, azulejos, polos cortos, pegados, jeans, zapatillas sin anudar, pelo ruloso, miradas que se cruzan, pegamento, pulidoras, la inmensa casa de campo. Los paseos a solas entre un hombre y una mujer pueden acercarlos lo suficiente como para poder hacer un viaje sin retorno ni frenos, aquí las edades no importan no es un problema el no tener el físico desarrollado lo es más importante el alma. El tío Stefan (Falk Rockstroh) hará de buen samaritano permitiendo a Paul quedarse hasta cuando él quiera a pesar de que deberá viajar a España por una semana, por motivos de trabajo. Hay abundancia, desayuno, comida, los chicos que juegan play station hasta altas horas de la noche, las vendas, las suturas, el alcohol medicinal, el alcohol, los chicles que quitan el mal aliento. Y uno puedo caminar mucho pero al final de la hojarasca, como estando a los pies de un pequeño abismo encontrar una laguna contaminada por nitrato, tentativa, podría ser letal.

Star Wars III, La venganza de los Sith (2005)

Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith (Dir. George Lucas) Hoy conversando con mi amigo el chef mientras caminábamos de regreso a mi casa aprendí algunas cosas interesantes sobre Star Wars. Primero de que existen hasta el momento 9 libros, es decir, aún 3 por filmarse y llegar al cine, hablo de los episodios VII, VIII y IX. Además me contó que las películas de finales de los 70's y principio de los 80's fueron reeditadas y perfeccionadas habiéndoles añadido minuciosamente algunas escenas extras y complementarias pretendiendo así eternizarlas sin evidenciar el paso del tiempo ni las diferencias generacionales. Particularmente debo decir que no se me da por juzgar la modernidad ni el paso de los años entre episodio y episodio, pienso mas bien y acepto que cada uno de ellos fueron filmados y editados en diferentes épocas lo que hace entendible la suma o resta de herramientas y técnicas que se usaron para poder brindarnos la historia en film. Algunos sabrán también que dentro de pocos días se estrenará en las salas de cine limeñas "Las guerras clónicas" un capítulo animado y en 3d basado cronológicamente entre el episodio II Y III, por lo visto Star Wars aún tiene mucho que mostrarnos. Ahora pasemos a hablar sobre el episodio III uno de los más extremos, intensos y oscuros de la saga. La república se desmorona a causa del despiadado conde Dooku (Christopher Lee), Anakin Skywalker (Hayden Christensen) junto con Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) reciben la misión de rescatar al canciller Palpatine (Ian McDiarmid) quien ya lleva varios años de más en el poder. El mal circula por doquier y en algunos casos intoxica y envenena a los de buen corazón. El general Grievous tiene problemas de respiración, mucha maldad, 4 brazos metálicos y es una de las últimas piezas que el lado oscuro tiene para poder mantener la guerra en pie. El amor entre Padmé Amidala (Natalie Portman) y Anakin se ve consolidado con la buena nueva de que tendrán descendencia, muy pronto. Los jedis deben unir fuerzas para poder liberarse y mantener la verdad. El infierno será de lava, del fuego más carmesí y diabólico que uno se pueda imaginar. Las espadas de luz, las arma de los guerreros galácticos, no serán capaces de salvar a ningún ser querido ni modificar el destino que uno mismo alimenta. Leonardo Da Vinci escribió alguna vez que para poder comprender el mundo estudió la magia negra y blanca, optando finalmente por esta última. Digo esto porque parecido es el planteamento que toca la mente de Anakin y de los jedis en el film. Llega un momento en la historia en que los Sith, que son la antítesis de los jedis, se muestran sin tapujos y al descubierto pretendiendo así volver a conquistar la galaxia como hace millones de años. Es allí cuando los droides al no tener sentimientos ni criterio propio no pueden ser juzgarlos como traidores o no. Un guerrero debe estar preparado para todo incluso para la traición, el enfrentamiento más impensado el menos probable pueda ser el que finalmente le dé la victoria a uno de los dos bandos. Las desilusiones grandes fortifican y hacen más grande el espíritu del hombre. Es de saber del valiente cuando ha de retirarse o escapar, la paciencia y la moral son las madres del bien y de la sabiduría.

Star Wars II, El ataque de los clones (2002)

Star Wars: Episode II - The Attack of the Clones (Dir. George Lucas) Este es el film más Flash Gordon, Thundercats y F. Scott Fitzgerald de toda la saga de Las Guerras de las Galaxias. Al igual que el episodio I, este film del año 2002 también fue dirigido y escrito por Lucas. Los efectos 3d, la animación virtual se fusionan junto con la realidad humana sin llegar a atosigar al espectador. El lado oscuro late más fuerte y con mayor intensidad. El joven padawan Anakin Skywalker (Haydeb Christensen) junto con su maestro Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) se vuelven a encontrar por órdenes del ministro y del consejo Jedi, después de 10 años, con la ahora senadora y antigua reina del planeta Naboo, Padmé Amidala (Natalie Portman) El senado galáctico se muestra inquieto al percatarse la intensión que tienen algunos sistemas solares por abandonar la República, el congreso, es decir la democracia implantada hace 1 000 años con miras a poder preservar la paz y el orden. Ahora grupos separatistas liderados por el conde Dooku (Christopher Lee) un ex jedi quien es muy parecido al director de cine Armando Robles Godoy está al mando de los anarquistas y demás inconformes políticos. Se nota un tanto cambiado el carácter de Anakin, su impertinencia es detestable, el constante apremio y futuras responsabilidades lo ciegan, el afloramiento de sus miedos más vulnerables, la vida incierta de su madre, el amor atormentado que siente por la senadora Padmé, la interrogación que surge al respecto de su destino, su ego destructor, su impaciencia natural, lo hacen ser incapaz de poder tener mayor sabiduría y así concluir sus estudios jedi, alejándose cada vez más de lo que la profecía decía de él; ser el hombre que finalmente le dará el equilibrio necesario a la Fuerza. Uno no debe dejar que los pensamientos nos controlen le dice Obi-Wan a su discípulo, quien es lo más cercano que tiene como padre, en vida ¿A qué se refiere con madurar, senadora Amidala? Jango Fett (Temuera Morrison) es un cazarrecompensas sin valores que ha empezado a crear un ejército de clones iguales a él físicamente pero alterados y perfeccionados en los genes. La construcción de los droides se realiza en un planeta lejano e inubicable en lo que al sistema de archivos se refiere. Este ejército servirá para ayudar a combatir a la República contra el lado oscuro y la federación. La traición se hace más latente, los planes perversos, las malas intenciones de algunos seres ansiosos por controlar de manera dictatorial lo que ahora se conoce como congreso, se harán más visibles. La guerra comienza. Los jedis deben pelear por mantener la calma entre los suyos y los más débiles. Jurar lealtad y convertirse en uno de ellos implica a no consentir en el apego, ni en la posesión "No me gusta la arena, aquí todo es liso" La obsesión entre 2 personas que se aman y que empiezan a formar parte de un engaño social, de una relación que no está bien vista por la sociedad "Morir no me asusta, muero un poco todos los días desde que volviste a mi vida" Amo a la senadora Padmé Amidala, amo esta galaxia y las sensaciones que en ella emergen.

Star Wars I, La amenaza fantasma (1999)

Star Wars: Episode I - The Phantom Menace (Dir. George Lucas) Al igual que la primera película que se filmó sobre Star Wars, el episodio IV, esta película fue escrita y dirigida por George Lucas. Allá por el año 1999 cuando el tan sonado última día del mundo latía grata fue la noticia para los miles de fanáticos y espectadores cuando se dijo que se empezarían a rodar los 3 primeros episodios de las guerras de las galaxias, esta tabla de sabiduría humano robot que empezó a mostrar ese otro lado de la verdad, en los corazones de los hombres del futuro, desde finales de los 70. El universo se rige por un solo orden, por una gran potencia al igual que el imperio griego, el inca o el gobierno de los Estados Unidos. La república galáctica está sumida en disturbios a razón de que la federación del comercio ha detenido todos los envíos al pequeño planeta Naboo es por esa razón que su valerosa y joven reina Padmé Amidala (Natalie Portman) envía a dos embajadores suyos a negociar la situación con el virrey y sus allegados. En realidad estos 2 hombres son 2 guerreros jedis encubiertos, guardianes de la paz y la justica; el maestro Qui-Gon Jinn (Liam Neeson) y su aprendiz y joven padawan Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) La espada de luz puede servir para abrir compuertas, enfrentarse a destructores, a robots soldados. Lo que se busca principalmente es llegar a un acuerdo legal sin llegar a utilizar la violencia o ir a una guerra interna; sin embargo el lado oscuro y la corrupción parecen ya ir cobrando espacio y forma lo que hará imposible no usar la Fuerza para subsistir. En el tránsito de este conflicto distintos personajes y ejes imprescindibles en lo que continúa de la historia irán apareciendo e incorporándose en el destino del planeta Naboo, los jedis y la princesa Amidala. La ciudad escondida de los Gungan, Jar Jar Binks, un pequeño niño aviador, técnico de robots, de máquinas, súper dotado a comparación del resto de humanos que al igual que él son esclavos en el planeta de Los Hutts, Anakin Skywalker (Jake Lloyd) La carrera de los Pods es la parte más intensa y emocionante del film dado que el circuito, los oponentes y la audacia de estos competidores crean inestabilidad y nerviosismo en el espectador. Las escenas son de admirar ya que para la época el resultado virtual obtenido es bastante moderno, certero y asimilable. R2d2 un androide que desde el inicio sobresaldría de los otros, Darth Sidious, líder de la Federación comercial y del lado oscuro, su aprendiz de sith, Darth Maul, la espada doble y roja, roja como el color de la fiebre en un termómetro. La terquedad puede ser venenosa, la casualidad no existe, las cosas no suceden por gusto. No sentir miedo es vital para poder ser un caballero jedi dice el maestro Joda; el miedo es el primer camino para llegar al lado oscuro, el miedo lleva a la ira, la ira al odio, el odio al sufrimiento ¿Quién es el elegido, finalmente? ¿Cómo podremos saberlo, maestro? Siente, no pienses, usa tus instintos. Ser capaz de darle esperanzas a quien no las tiene, hacer el bien sin tentarnos por hacer el mal ¡Que la fuerza te acompañe! Amo a la reina Amidala, la amo profundamente.

París, te amo (2006)

Paris, Je t'aime (Dir. 18 of the most acclaimed international directors) Paris, Je t'aime fue estrenada el 2006, en el mundo entero. Fue recién este año, el 2008, que por fin pudo llegar a las salas y mentes limeñas. Esta película la vi echado sobre una cama de 2 plazas y con una portátil Panasonic abierta sobre las piernas. Sé que la gente sensible, curiosa, romántica, esperanzada debió de haberla pasado mejor que nunca, que al salir del cine o apagar la pantalla debió de haber dicho que fue la mejor película del año, de su vida, la que le causó más emociones encontradas, reflexiones múltiples. Este film es único ya que han sido muy pocas las veces en que tantos hombres de cine, guionistas, estudiosos del tema se hayan juntado y con éxito a trabajar en un solo proyecto. El tema principal de este film no es ningún sentimiento, palabra o virtud, la película se basa fundamentalmente en la visión que algunos directores tales como Gus Van Sant, Los hermanos Coen, Christopher Doyle, Isabel Coixet, por nombrar algunos, tienen acerca de La ciudad Luz, de la ciudad hora del té, Torre Eiffel, de París. Un chico americano escucha con los ojos abiertos a un francés con el pelo en la cara sin poder entender lo que dice ya que domina muy poco el idioma, una actriz radiante telefonea a un dealer con el que existe bastante onda y al pagarle vuelve a encomendarle otro pedido, un vendedor vestido con terno va a una peluquería que queda subiendo muchas escaleras y en la que todas las trabajadoras allí son mujeres japonesas y bastante ágiles, una pareja adulta se cita en un burdel pretendiendo no conocerse ante la bailarina que empieza su sensual performance, un chico ciego y cibernético se empareja con una actriz primeriza y empeñosa cuando se conocen de casualidad por la ventana de ella, un hombre negro lava autos, ama la música y se ilusiona con una chica de su misma raza pero distinto estatus, un niño pierde la vida y su madre aún no supera su alejamiento, una chica árabe camina, se tropieza, se rasga las palmas de las manos y un chico francés le ofrece ayudarla y llevarla a su mezquita. La idea de interpretar París con tu propia lengua, lenguaje pareciera ser más un proyecto independiente que mainstream es sorprendente observar que se pudo lograr una empresa de tal embergadura. El París de Paris Je t'aime es una ciudad inventada que existe (quizá) en las mentes de aquellos hombres que han estado en ella y le son importantes al mundo. Uno para terminar complacido debería de poder viajar allá, armar su propio guión y escribir el 19vo capítulo, alguna vez.

Yo no estoy aquí (2007)

I'm not there (Dir. Todd Haynes) Bob Dylan. La primera vez que escuché sobre él fue cuando a los 12 años vi por televisión nacional algunas partes de la antología de los Beatles, oír a todos los fab four, sin excepción, decirse seguidores suyos y admiradores de su personalidad y mensaje, me marcó profundamente. A pesar de ello no lo escucharía sino hasta hoy, debo decir que siempre he tenido una especie de suerte de escuchar discos o leer libros en el momento apropiado. Todos estos años siempre había pensado, imagino como muchos, que lo más importante en la música de Dylan eran sus letras, que la música era indispensable, debo rectificar este pensamiento, la música también lo es. El tema Blowin' in the wind me fue nombrado por José Ignacio Rondón en el colegio cuando estaba en 5to de secundaria, el video de Subterranean Homesick Blues, aquel encuadre en blanco y negro donde Dylan va desprendiendo una a una las palabras de la canción escritas a mano por él mismo papel tras papel me fue mostrado por César Boggiano por aquellos días en que el disco de los grandes exitos del 67 ya no me era una tentación de niño al no saber qué discos comprar. Después de ver esta película he devorado los 2 primeros Lp's, el self titled y el Freewheelin' Bob Dylan. Ver I'm not there para mí fue como haberme leído una biografía de un tomo de 1 000 páginas escrita por algún fan culto y sagaz. La magia de este guión y film es que no está fielmente contado sino que todo está planteado a manera de metáforas y personajes disociados que parecieran haber poseído de alguna forma y en distinta época a Robert Zimmerman a.k.a Bob Dylan (un hombre que no fue un solo hombre) Incluso el hecho de usar nombres distintos a los reales para cada personaje hace que todo sea más entendible, contradictoriamente. En el film se aprecia la vida de Bob colada por 6 imágenes contrapuestas que siguen su curso y movimiento paralelamente: Arthur Rimbaud (Ben Whishaw) personifica al poeta juvenil que después de su alejamiento de casa contuvo su cuerpo a los 20 años, Woody (Marcus Carl Franklin) al Woody Guthrie inspirador, impostor que alguna vez fuera su principal referencia, Robbie (Heath Ledger) al Dylan casado y con hijos, al hombre que sentía el apremio de la fama como también la responsabilidad de velar por su familia, Billy The Kid (Richard Gere) al Dylan mítico aquel ídolo que desaparece para volver a renacer, del que se dicen cosas que bien podrían ser ciertas como inventos de la gente, Jude (Cate Blanchett) al Dylan eléctrico, traidor de su propia naturaleza, al hombre distinto que entiende el mundo como nadie y que puede enfrentarse a la prensa y a la gente de una manera única y reveladora, Jack (Christian Bale) al Dylan que encuentra la Biblia, la fe, las maneras de buscar curar las heridas del mundo. I'm not there es una película bastante densa por lo que hay que estar con los 5 sentidos en ella, no bostezar ni verla recostado.